作为世界一流的表演艺术学院之一，茱莉亚音乐学院花了一个多世纪的时间来发现和培养音乐、舞蹈和戏剧方面的顶尖人才。从1984-85学年开始，约瑟夫·w·波利西(Joseph W. Polisi)成为了茱莉亚学院的第六任校长，也是现任校长。他被视为艺术教育领域的变革人物，专注于对课程的重大补充，尤其是在社区拓展领域。我们在位于纽约市林肯表演艺术中心的茱莉亚音乐学院令人印象深刻的总部会见了约瑟夫·波利西。当我们在一个阳光明媚的秋日下午参观学校，观察戏剧和舞蹈的学习时，我们很高兴地遇到了纽约爱乐乐团的音乐总监，艺术大师艾伦·吉尔伯特，他教一位年轻的指挥家，并与茱莉亚音乐学院自己的管弦乐团的有才华的学生一起排练。
焦点:对许多人来说，茱莉亚音乐学院是培养顶尖艺术人才所需的竞争优势和严谨奉献精神的代名词。可以说，茱莉亚音乐学院是如何在潜力还处于萌芽阶段的人才中识别出来的?
约瑟夫·w·波利西:首先，我们仍然有一个非常传统的海选过程，它和音乐史一样古老。但更普遍的是，对于了解自己学科的教师或音乐家来说，实际上很容易很快发现非凡的天赋。
你在寻找哪些指标来帮助评估潜力和预测未来的成功?
首先，人们对音乐家的评价与对演员或舞者的评价有很大的不同，音乐本身也有不同。举个例子，一个17岁的小提琴手、钢琴家或大提琴手已经相当高级了，在茱莉亚音乐学院，我们希望他们在这个年龄试演这些乐器时，能发现重要的技术和艺术技巧。对于声音，因为它是一种较晚成熟的乐器，我们相应地调整我们的期望。
还有那些舞蹈和戏剧的申请者?
在舞蹈中，需要大量的技巧和技巧，这有点类似于我所说的看待音乐的方式。然而，在戏剧中，我们主要关注的是潜力、想象力和创造力。这是我们最挑剔的领域，18个名额，有1500名申请者，所以我们只接受不到1%的人。在某些领域，申请人会有丰富的经验，我们会立即看到某种天赋，某种水平的技术。在其他学科中，我们通常看到的是想象力、创造力、即兴创作能力和冒险意识——所有这些都是这些领域中必要的东西。
这些技能在评估音乐天赋时当然也很重要。
当然。你可以听一个人为大提琴演奏柴可夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，他们可能所有的音符都是对的。但另一个人不仅会掌握所有的音符，还会掌握这首曲子所需要的所有想象力和创造力。
考虑到它必须是全球性的，而且在某些情况下很难找到，你如何寻找这种人才?
我们的教师确实投入了大量的时间周游世界，在研讨会、大师班和比赛中倾听年轻人才的心声。如果我们发现有才华的人，我们建议他们来茱莉亚音乐学院试镜，如果他们想注册的话。当然，我们也在这里寻找当地的人才，在公立学校、弱势社区和农村地区。
试镜中没有透露的是什么?你有没有寻找一个人性格方面的东西?
他们的求知欲。我们进行面试;我们看成绩单、推荐信、论文等等。但我们也会调查这个人是谁。
你是怎么做到的?
随着项目的发展，研究也变得更加广泛和深入。例如，我们的博士课程也是非常严格的，我们有一系列广泛的考试和面试。对于本科生，我们会和他们进行一定的交谈，了解他们感兴趣的是什么。理想的茱莉亚音乐学院学生不仅是一个非常有趣的艺术家，而且有强烈的求知欲，对自己的世界有感觉，并渴望成为领导者——通过他们的艺术创造不同。但要想进门，你还得通过试镜。
那些喜怒无常的艺术家呢?他们的技巧和表达能力非常完美，但在其他方面却不具备你想要的特质。
我们试着和年轻人一起工作，培养他们自己的自我意识，他们自己的社交智慧。但说实话，茱莉亚学院在这方面并没有很大的耐心。茱莉亚音乐学院没有学生被训练成独奏者，尽管他们最终可能成为独奏者。例如，每个学生都在管弦乐队演奏;没有例外。室内乐也是如此。我个人对所谓的艺术气质一点耐心都没有。我遇到的绝大多数成功的艺术家都不难对付——只要你了解他们的需求和优先事项。
例如，茱莉亚音乐学院在挑选年轻人才方面有多成功?
毕业率非常高;很少有人员流失。我认为茱莉亚音乐学院经历中最严格的方面之一是招生过程。我们对此保持绝对警惕，绝不妥协。一旦学生被录取，我们就会帮助他们成长为艺术家和年轻人。
如果他们被录取了，你知道他们会参加课程吗?
我们不可能百分之百地了解情况，也有一些人无法承受压力。话虽如此，在他们在茱莉亚音乐学院期间所承受的所有压力中，迄今为止最大的来自于内部。我们知道这是事实。他们是那些逼迫自己的人。
有没有一个最重要的原因导致你对未来潜力的预测没有实现?
可能会有一大堆问题。最简单的是，他们做了一次精彩的试镜，这辈子再也不会这样做了。这种事偶尔会发生。还有心理问题，体能方面的问题，甚至时间管理方面的文化问题。记住，我们33%的学生是国际学生，所以他们带着巨大的文化和语言差异来到这里，仅仅是想家就可能成为一个问题。我不认为任何一个学派，无论其地位如何，都能百分之百地预测成功。这是不可能的。
先不谈技术方面的专业知识，茱莉亚音乐学院是如何帮助年轻人才实现他们在智力和个人发展方面的潜力的?
我们与所有的老师——工作室的老师，教室的老师——合作，帮助他们理解这些年轻艺术家的需求。例如，在学生的压力下，可能会有潜在问题的线索。在过去，一位教职员工可能会说:嗯，那不关我的事。现在我们每年都举办研讨会，培训他们识别这些问题。或者假设一个学生有很强的求知欲，需要额外的刺激。我们与哥伦比亚大学有一个项目，让学生们可以学习我们在茱莉亚音乐学院永远不会提供的课程——科学、数学、斯瓦希里语、阿拉伯语或汉语等外语。我们还为本科生设立了学术区分项目，他们可以通过做额外的工作来拓展自己的智力，比如通过深入研究写出严肃的论文。
您的学生除了获得表演艺术学位外，是否有可能或有必要获得一个完整的文科学位?
我们为本科生提供高水平的文科教育。25%的课程是文科，这是茱莉亚学院以伟大的书籍和苏格拉底的教学方法为基础的。然而，你不能真正期望同时拥有音乐学院经历的全部影响和文科经历的全部影响。我希望有人能。我想了很多，并且尽我所能向这个方向推进。但是在一天结束的时候，就时间管理而言，当你有一个钢琴家需要每天练习6到8个小时，你不可能要求他也花6到8个小时在图书馆里做研究。
从另一个角度来看，你如何鼓励学生在音乐之外扩大他们的视野?
这确实是一个重要的问题。我们试图做的是激发这些年轻人的想象力，找出他们在智力和艺术上想要走的方向。然后我们的目标是培养和指导他们，让他们在这个方向上取得进步。我们的老师在识别这些兴趣爱好时尤其警惕。
你有一个指导系统吗?
是的。我们有一个指导系统，学生自愿与教师导师一起工作，而且有很高比例的本科生选择了这个选项。一般来说，如果你是长号手，我们建议你的导师可以是舞蹈家，这样可以开阔你的视野。这种方法非常有效，特别是在激发想象力方面。此外，最近我们在课程中发展了四种不同的潮流，它们以这样或那样的方式影响着每一个学生。这些主题包括写作和口语技巧;具备信息素养，懂得如何智能使用互联网;技术与发展戏剧、舞蹈和音乐方面的新作品的关系;最后是企业家精神:你如何跳出思维定势?这是非常重要的，因为年轻的艺术家们如此专注于他们的工作——专注于作为艺术家的效率——以至于他们可能发展成视野狭窄的人。
你如何选择你的老师?
像任何教育机构一样，教师是这里的核心。首先，我们显然要看专业经验。但即使他们是非常著名的表演者——我们当然有一些这样的人——我想确保他们也是敬业的老师。一旦所有这些都完成了，我就会把他们当成人来看待:他们对什么感兴趣，他们将如何成为这里社区的一部分?他们希望学生取得什么成就?如果一位老师对我说:“我希望我的学生每天练习8小时，我不希望他们参与任何课外活动。”我会再三考虑这是否是适合茱莉亚音乐学院的老师。
你经常说表演艺术的教育正在悄然发生着一场革命——至少就茱莉亚音乐学院而言是这样——而推动这一革命一直是你的目标。
当我1984年来到茱莉亚音乐学院时——这是我担任校长的第30年——我非常想改变这个地方文化中的一些关键元素。但我知道，贸然行事将是一个错误。我也不想质疑这所学校的基本使命，即教育和训练下一代的舞蹈家、音乐家和演员。所以我决定，这应该是一场革命，但它应该是安静和渐进的，我认为这实际上已经发生了多年。
这场革命的基本原则是什么?
我要求我们的年轻艺术家们拓宽视野，思考他们在舞台之外的责任是什么，看看如何培养艺术，尤其是在公众支持变得如此薄弱的时候。他们应该帮助把艺术更牢固地固定在我们的教育体系中。他们应该帮助公众理解为什么艺术是我们社会结构的重要组成部分。
“我们期待最高水平的艺术表演，但我们还期待更多。”
这么说，你的学生被训练成艺术的文化大使?
艺术家作为公民的主题已经成为学校非常重要的一部分。我们期待最高水平的艺术表演，但我们期望更多。我们希望，作为艺术的有效倡导者，我们的学生了解我们的世界是如何运行的，并利用这种理解帮助艺术成为社会更重要的一部分。
艺术家作为公民的角色和责任是什么?为什么这一点如此重要?
公共部门辜负了古典艺术。美国国家艺术基金会(National Endowment for The Arts)在收入分配方面已经有很长一段时间没有发挥重要作用了，也许可以追溯到尼克松政府时期。在我看来，资助艺术甚至不是任何有意义的政治对话的一部分。艺术被边缘化了，面对这样的阻力，没有政治家认为推动艺术发展有任何价值。总而言之，随着我们的教育体系不再重视艺术，我认为我们是在自食其果。
缺乏对艺术的支持会如何影响一个民族的文化?
它对我们的教育体系产生了悲剧性的影响，产生了持久的影响。如果你不知道艺术是什么，也不以某种严肃的态度去体验它们，你最终会成为平庸之辈。正如我常说的，平庸就像一氧化碳。你闻不到它，也看不见它，总有一天它会杀死你。这是我们必须反对的，我认为美国在这方面做得不是很好。我们看到新一代的领导人与艺术的力量以及艺术在我们的教育体系和社会中的重要性毫无关系。
艺术通常被视为精英主义和排他主义，但事实并非如此。它们适合所有人。这就是为什么在我看来，拥有一种作为艺术家的责任感，成为艺术的倡导者，是艺术家教育的重要组成部分。这也是我们在茱莉亚音乐学院所关注的。
茱莉亚音乐学院在学生中推广的是什么?
茱莉亚学院的外展活动是一种非常强大和多方面的体验。我们要求我们的学生离开他们的舒适区。我们鼓励他们去纽约市的公立学校、医院、收容所和疗养院，而不是去传统的场所，并以有效的方式在那里演出。所谓有效，我指的是节目在时长、内容、口头解释和参与等方面的设计，以使观众从体验中受益。这对执行者也有很大的影响。对于任何艺术家，尤其是年轻艺术家来说，在非传统的场所看到自己的艺术在非传统观众身上的力量，向他们展示了艺术作为人类价值信使的强大力量。这种经历真的可以改变这些年轻的艺术家，因为当他们回到传统的场馆，他们会以不同的方式思考。
我们也有来自世界各地的学生，比如坦桑尼亚、墨西哥或巴西。当他们回来的时候，他们会有更高的精力去做他们想做的艺术家。他们更有动力;他们更加专注;他们经历了自己的艺术如何以意想不到的方式打动人们。他们真的明白，他们可以成为人类经验中一些最佳价值的有力倡导者。我认为这是茱莉亚音乐学院的重要组成部分。
那么，你如何看待传统上对技术的关注和这种通过表演进行接触和交流的过程之间的关系呢?
当一个人开始教育年轻的艺术家——在舞蹈、戏剧和音乐方面——最初的重点总是倾向于技术。但技术只是通向艺术的桥梁。艺术的核心是沟通。所以如果你把所有的音符都写对了，或者步骤都写对了，或者单词都写对了，那就不是艺术。这是技术。虽然你需要技巧来实现艺术，但如果没有表达能力和沟通的感觉，你就不会成为一名成功的艺术家。
音符、舞步、歌词都有了，但不知怎么的却缺少了表演的灵魂。
完全正确。当年轻人第一次接触勃拉姆斯的小提琴协奏曲或拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲时，他们发现这是一座不可逾越的大山，仅仅从技术上来说，就实现它们而言，有时，我敢说超过50%的情况下，年轻的演奏者会说:哎呀，我做到了!我能弹所有的音符!当然，他们必须意识到这只是其中的一部分。另一部分是解读这些笔记，让这种体验变得非常强大。
“我希望我们被视为创造力和想象力的源泉，以及新一代新工作的源泉。”
综上所述，你认为茱莉亚音乐学院——或者茱莉亚音乐学院这个品牌——到底代表着什么?
我希望茱莉亚音乐学院被认为是一所致力于追求卓越和未来的机构，是一个不仅保持戏剧、舞蹈和音乐专业标准，而且还提高这些标准的地方。我希望我们被视为创造力和想象力的源泉——以及新一代新工作的源泉。
我认为，在美国，传统并不总是得到应有的尊重。从本质上说，茱莉亚音乐学院的存在是为了维护和加强我们所继承的传统，这里的很多人都深信这些传统对人类体验非常重要。我们要求我们的学生成为领导者，成为沟通者，成为老师，并做出改变——而不是坐着不动，期待世界向他们走来。
在纽约对约瑟夫·w·波利西的采访由乌尔里克·克劳斯、The FOCUS和艾伦·d·希利克， Egon Zehnder，纽约。
约瑟夫·w·波利西
1984年，约瑟夫·波利西被任命为茱莉亚音乐学院院长，当时他35岁左右。在此之前，他曾担任辛辛那提大学音乐学院和曼哈顿音乐学院的院长，以及耶鲁音乐大学的执行官。波利西的教育背景包括音乐——他拥有耶鲁大学音乐艺术博士学位和塔夫茨大学弗莱彻法律与外交学院国际关系硕士学位。他写了两本书:作为公民的艺术家提倡表演艺术家成为世界文化大使，同时《美国缪斯:威廉·舒曼的一生与时代》是美国作曲家和前茱莉亚音乐学院院长的传记。和曾与纽约爱乐乐团合作的父亲一样，波利西也是一位有成就的巴松管演奏家。
茱莉亚音乐学院
茱莉亚音乐学院由弗朗茨·李斯特的教子弗兰克·达姆罗施于1905年创立，是音乐教育界的一个传奇。该学院提供从学士到博士的学位课程，并已发展到包括舞蹈和戏剧等其他艺术学科。1969年，学校成为林肯中心的一部分，许多人认为林肯中心是美国最重要的古典音乐场所。茱莉亚音乐学院的入学竞争非常激烈，总体录取率在5%到8%之间。
图片来源:jÜrgen frank
